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진지빨고 쓰는 레데리 시리즈188 - 아서의 캐릭터 속성에 대한 고찰
https://youtu.be/h0UIjG-tjgUBGM: Rhythmic Hallucination안녕, 레붕이들. 이번 188번째 시간에는 <레드 데드 리뎀션2>의 주인공 '아서 모건'이 지닌 캐릭터 속성에 대한 개인적인 고찰을 갈겨볼까 하는데, 소위 '주인공이 세계관 최강자'인 설정은 본 연재글 시리즈에서 여러 번 설명했던 바 많은 매체에서 질리도록 쓰이는 보편적인 속성이지만, 그런 만큼 완성도 있게 '잘 쓰이는 경우'는 정말 손에 꼽음.먼저 다들 익히 알다시피, 주인공이 세계관 최강자라는 설정 자체는 남성향 마초 판타지의 극치를 달리는 속성인지라, 동서고금을 막론하고 남성층의 열광적인 각광을 받는 대리만족 판타지인 것은 그 누구도 부정할 수 없는 사실이지만, 이게 장기적인 관점에서는 독이 된다는 게 아이러니임. 왜냐하면, 대개 우리가 서사에서 흥미를 느끼는 주된 요소 중 하나가 바로 '주인공이 질 수도 있다'는 극적 긴장감인데, 이미 힘의 위계에서 정점에 있는 세계관 최강자 캐릭터들은 그 특성상 '더 강한 적수'를 등장시킬 수 없기에, 이 긴장감 자체를 무의미하게 만들어버리기 때문임. 제아무리 강하고 위협적인 악당이 등장해도, 결국엔 그걸 주인공이 일방적으로 개쳐바를 게 뻔하니까, 팬들은 점점 서사에 흥미를 잃고 무덤덤해지는 것임. 달리 비유하자면, 마치 결말 스포당한 영화 보는 거랑 비슷한 느낌이라 하겠음.물론 세계관 최강자 캐릭터가 보여주는 압도적인 퍼포먼스 그 자체는 확실히 팬들에게 가장 즉발적인 쾌감을 보장하긴 함. 이건 여러 남성향 마초 판타지 기반 창작물에서 무수히 증명되어 온 공식임. 문제는 그 다음인데, 세계관 최강자 캐릭터들은 대개 완성형 캐릭터라서 더 이상 발전하고 성장할 여지가 없음. 그도 그럴 것이, 첫 등장에서부터 이미 만렙이고 최강인데, 거기서 뭘 더 어필할 게 있겠음? 게다가 팬들은 이미 그 힘에 내성(耐性)이 생겨버려서, 어지간한 자극으로는 더 이상 놀라워하지도 않음. 즉 같은 퍼포먼스로는 같은 쾌감을 느낄 수가 없게 된단 얘기임. 가령 처음에 10명을 죽였다면, 그 다음엔 100명을, 그 다음엔 1,000명을 죽여야 비로소 감흥이 올까 말까 함.그래서 세계관 최강자들은 자연히 그 캐릭터 특성상, 필연적으로 더 강한 화력! 더 큰 폭발! 더 많은 시체! 이것밖에는 어필할 요소가 없게 됨. 그렇게 캐릭터의 깊이는 진작 바닥나고, 서사는 한없이 단조로워졌는데, 그걸 퍼포먼스의 스케일을 계속 증량하는 시각적인 충격만으로 때우며 팬들을 붙잡으려 하니까 결국엔 한계가 옴. 가령 <람보> 시리즈나 <익스펜더블> 시리즈의 속편들이 처음 1편에 비해 평가가 계속 꼴아박는 이유도 바로 이 무한 증량의 한계에 봉착했기 때문이라고 이해될 수 있겠음.고로 세계관 최강자 캐릭터는 오락적인 측면에서 효과는 확실하지만, 대신 휘발성이 강해서 그 지속 시간이 존나 짧기에, 양날의 검과도 같은 창작의 딜레마를 낳음. 그 동안 워낙 클리셰마냥 편의적으로 남발되어 온 탓에 간과하기 쉽지만, 작가 입장에선 다루기 가장 쉬울 것 같지만서도 실상은 가장 어려운, 함정 같은 속성이 바로 세계관 최강자 설정이라 할 수 있겠음. 즉 만들기는 쉬워도, 그걸 유지하기가 어렵다는 얘기임.첨언하자면, 그래서 감당 못할 무한 증량에 스스로 지치거나, 혹은 다른 돌파구가 고갈된 작가들이, 팬들의 흥미를 쥐어짜낼 구석이 도저히 없다 판단되면, 일종의 극약 처방으로 선정성에 기대려는 이유도 이와 같음. 더 이상 캐릭터의 흥미를 어필할 수 없으니, 주 소비층인 남성들의 원초적인 욕망을 자극하는 방식으로 우회해서 연명하는 것임.근래에 해당 설정을 다루는 가장 대표적인 작품 중 하나인 <원펀맨>도 이러한 문제에서 결코 자유롭지 못했음. 하지만 <원펀맨>의 경우는 '무면허 라이더' 등을 비롯한 진지한 성장형 조연들을 여럿 내세우는 복합 인물 서사로 돌파했고, <GTA5> 역시 포텐셜은 있지만 아직은 미숙한 성장형 주인공인 '프랭클린 클린턴'을 완성형 주인공들인 '마이클 드 산타'와 '트레버 필립스' 사이에 같이 끼워넣어 균형을 맞추는 3인 주인공 체제로 밀고 간 것도 이것과 결코 무관하지 않다 하겠음.근데 <레드 데드 리뎀션2>의 아서는 (존이라는 제2의 주인공이 뒷무대에서 대기하고 있긴 하지만) 사실상 1인 서사나 다름없는 데다가, 심지어 그 캐릭터 속성이 무려 마초 캐릭터 + 완성형 주인공 + 세계관 최강자 조합임. 이중에 하나만 다뤄도 골치 아픈데, 셋이 동시에 있음. 다들 알다시피 이게 또 서로 시너지를 내는 속성이라서, 작가 입장에선 그야말로 공포고, 가장 피하고 싶을 극악의 작법 난이도를 자랑한다 하겠음.이전에 '마초이즘 캐릭터에 대한 고찰' 편에서도 설명했던 바, <코만도>의 '존 매트릭스', <갓 오브 워> 시리즈의 '크레토스', <GTA5>의 '트레버 필립스', <둠> 시리즈의 '둠가이' 등등 가뜩이나 전통적인 마초 캐릭터들은 오직 분노와 파괴라는 단순무식한 원패턴 속성을 지녀서 캐릭터의 깊이가 얕은데, 그 마초적 힘에다가 세계관 최강자 속성으로 성장 서사의 여지를 없애고, 추가로 '어차피 이긴다'는 주인공 보정까지 함께 붙여서 일말의 서사적 긴장감마저 없애버리면, 작법 난이도는 기하급수적으로 진짜 미친듯이 상승할 수밖에 없음.그도 그럴 게, 이미 작중에서도 증명된 바, 전설의 총잡이들은 물론이고, 마을 보안관, 대도시 경찰, 핑커톤, 연방보안관, 나아가 철갑함을 몰고 상륙전을 시도하는 쿠바 식민군, 당대 미합중국 육군의 최정예인 기병대와의 교전에 이르기까지, 제아무리 강대한 존재들이 벌떼처럼 새카맣게 몰려와도, 아서의 '데드아이' 앞에선 어차피 일방적으로 학살당한다는 걸 우리는 모두 알고 있음. "어차피 아서가 이김 ㅋㅋ" 이걸 알면서 하는 게임이 <레드 데드 리뎀션2>인 것임. 더구나 게임 인트로에서도 보여지듯 아서는 그 힘 자체가 '최후의 발악을 시도하며 폭주하는 무법자 시대의 폭력성'을 은유하는지라, 이런 극단적인 캐릭터로, 그럴듯한 서사를 뽑아낸다는 건 말처럼 결코 쉬운 일이 아님. 아닌 게 아니라, '락스타 게임즈 얘네가 미쳤나?' 싶을 정도로 어려운 도전을 한 셈임.여기서 락스타 게임즈가 서사적 돌파구로 선택한 것은 다름아닌 '결핵', 즉 캐릭터 설정상 힘으론 그 어떤 누구도 아서를 당해내지 못하니까, 그 힘이 통하지 않는 질병으로 우회해서 서사를 풀어나가자는 거였음. 게다가 2편이 1편의 프리퀄인 만큼 서사상 퇴장은 무조건 시켜야 하는데, 물리적인 영역에선 사실상 불사자나 다름없는 아서를 팬들이 '납득할 수 있도록' 처리하기 위해, 그 물리력이 통하지 않는 영역에서 적수를 찾았다는 얘기가 되겠음. 여기엔 이전에 '죄와 벌, 속죄의 서사' 편에서도 장황하게 설명했던 바, 마침 그 질병 연출이 무법자 시대의 종언이라는 시대적 은유와도 딱 맞아떨어졌던 덕이 컸음.아서는 힘이 모든 걸 지배하는 무법자 시대의 표상이자 정점이고, 그래서 그의 몰락은 곧 그 시대의 종언임. 결핵이 보균자를 즉사시키지 않고 잠복기를 거치며 서서히 말려죽이는 것처럼, 무법자 시대도 점진적으로 서부에 침투한 문명과 법치질서 앞에서 서서히 종언을 고했는데, 고로 아서가 제아무리 힘으로 당해낼 자 없는 무적의 사내라도, 철도와 전신을 통해 문명과 법치가 들어서는 시대의 흐름(근대화)만큼은 개인의 물리적 힘으로 어찌할 수 없는 거대한 장벽임. 그의 절대적인 무력조차도 구시대의 유물로 전락해가는 과정을 통해, 우리는 아서가 시대정신을 체현한 일종의 메타포임을 다시금 이해하게 됨.이번 시간에 내가 준비한 내용은 여기까지임. 그냥 죽여선 안 되고, 자연스럽게 죽여야 하는데, 사실 세계관 최강자를 자연스럽게 죽인다는 게 어디 말처럼 쉽겠음? 대부분의 경우라면 어거지로 파워 인플레이션을 일으켜서 더 강한 적수를 등장시키거나, 혹은 처음부터 안전빵으로 '성장형 주인공' 노선을 택했을 텐데, 실로 극악의 난이도였던 마초 캐릭터 + 완성형 주인공 + 세계관 최강자 조합의 캐릭터를, 그 캐릭터의 본질을 전혀 훼손하지 않으면서도, 설득력 있게 퇴장시켰다는 점에서 과연 락스타 게임즈의 작법 내공이 빛났다고 봄. 힘으로 해결할 수 없는 것, 시대와 마주한 덕분에 아서는 끝까지 최강자로 남을 수 있었음. 힘의 한계를 보여주면서도, 그 힘의 존엄을 지킨 캐릭터로 만들었다는 점에서 고평가를 해 주고 싶음. 자, 그럼 다들 이 늦은 시간에 똥글 읽느라고 수고했고, 다음 시간에 또 재밌는 주제로 찾아오도록 할게. 또 보자 게이들아!
작성자 : badassbilly고정닉
게임에서 중요한건 '현실성'보다 '일관성'이다
https://youtu.be/tO3YnPyqPKg아케인 스튜디오가 장르를 정복한 방법 by 게임스팟하비 스미스 (디스아너드 디렉터):라파엘과 저는 언제나 ‘하나의 연속적인 공간’에 대한 개념에 이끌립니다. 즉, 게임의 첫 번째 분이 진짜 ‘첫 번째 분’이고, 게임의 30시간째가 실제로 ‘30시간째’인 구조 말이죠. 게임 속에서 일어나는 모든 일이 하나의 연속된 시간 흐름 안에서 일어난다고 믿을 수 있는 세계.그리고 그 공간이 실제로 ‘연속적’으로 연결되어 있어서 플레이어가 자유롭게 오가며 탐험할 수 있는 구조를 좋아합니다. Prey에서는 우주복을 입고 에어록을 빠져나와 스페이스워크로 스테이션 바깥을 돌아다닌 뒤, 다른 위치의 에어록으로 들어가서 원래는 나중에 방문해야 할 레벨을 반대 방향에서 접근할 수 있습니다. 완전히 시뮬레이션된 ‘연속적 환경 공간’이죠.그래서 Dishonored 1의 개발 막바지쯤에 라파엘이 이렇게 말했어요. "내 다음 게임은 이렇게 연속적인 공간을 가진 게임이 될 거야."저는 ‘그거 흥미로운데!’라고 답했죠. 저도 그런 게임을 정말 좋아하거든요.그리고 Prey는 바로 그런 게임이 되었습니다.라파엘 콜란토니오 (프레이 디렉터):Prey는 생존에 훨씬 초점을 맞춘 게임입니다. 당신은 적대적인 외계 생명체들이 들끓는 우주 정거장 안에 갇혀 있고, 가지고 있는 건 거의 아무것도 없습니다. 철저히 혼자이며, 탈출해야만 하죠. 그게 바로 Dishonored와의 가장 큰 차이점이에요 플레이어의 힘과 판타지’의 방향이 완전히 다르죠. 그리고 Prey의 구조 역시 Dishonored와 다릅니다. Dishonored가 미션 기반이라면, Prey는 하나의 거대한 연속 공간이에요. 즉, 우주 정거장 내부와 외부를 오가며 탐험할 수 있는 지속적인 오픈 월드 구조죠. 무중력 상태로 정거장 주변을 날아다니는 것도 가능합니다. 우리가 이번에는 Dishonored처럼 ‘기이한 세계’를 만들지는 않았어요.Prey의 세계를 탐험하면 익숙하면서도 낯선 느낌이 듭니다. “왜 이런 게 다르지?”라는 의문이 들고, 그렇게 점점 새로운 세계와 새로운 현실에 익숙해지게 되죠. 저는 ‘리얼리즘’이란 건 없다고 생각합니다. 중요한 건 현실성보다 ‘일관성(cohesiveness)’이에요. 당신이 어떤 세계를 만들고 그 안의 규칙과 법칙을 플레이어에게 제시했다면 예를 들어 “이 세계에는 문이 없다”거나 “모든 물체가 빨간색이다” 같은 설정이라도 그 규칙이 끝까지 일관되게 유지된다면, 플레이어는 그 규칙 위에 자신의 전략을 세울 수 있습니다. 그때 게임 안의 모든 일이 논리적으로 맞아떨어지고, 플레이어는 “내가 진짜 그 안에 있다”는 감각을 얻게 되죠. 그건 현실적이라기보다 응집적이고 일관된 세계의 힘입니다. 저는 가장 강력한 서사는 결국 플레이어의 행동에서 생성되는 것이라고 생각합니다. 플레이어가 직접 만들어내는 이야기 말이에요. Dishonored 2는 2016년 10월에 출시되어, 아케인 리옹 팀의 하비 스미스에게 수많은 ‘올해의 게임상’을 안겨주었습니다. 한편 Prey는 그보다 몇 주 전 출시되었는데, 평가는 Dishonored 2보다 다소 엇갈렸지만, 비슷한 이유로 찬사를 받았죠 플레이어의 주도권, 자생적인 시스템, 그리고 완성도 높은 세계. 두 게임 모두 아케인이 예전부터 추구해온 철학, 즉 Looking Glass Studios(시스템 쇼크 제작사)와 Origin Systems(울티마 제작사)가 남긴 유산을 계승하고 있습니다. 그들의 철학은 지금도 세대를 넘어 수많은 개발자들에게 영향을 주고 있죠. 하지만 레벨 디자인이나 미션 구조, 서사 방향 같은 기술적인 이야기를 넘어 아케인의 크리에이티브 리더들과 이야기하다 보면 그들 안에서 더 깊은, 감정적인 원동력이 드러납니다.하비 스미스:모든 매체에는 ‘직접적으로 자전적인 작품’과 ‘간접적으로 자전적인 작품’이 있습니다. 게임도 마찬가지예요. 어떤 게임은 수백 명이 함께 만들지만, 그럼에도 그 안에는 작가적 중심이 존재합니다. 감정의 방향이나 주제, 문학적 의미의 중심은 소수의 사람들에 의해 결정되고, 그들은 각자의 개인적인 경험을 녹여 넣습니다.저와 라파엘 모두 어릴 때 어머니를 잃었습니다. 그리고 안전하지 않은 환경에서 자랐죠. 저는 여섯 살 때 어머니와 점심을 먹던 중 그녀가 눈앞에서 세상을 떠나는 걸 봤어요. 아버지는 폭력적이었고, 결국 스스로 목숨을 끊었습니다. 물론 그건 오래전 일이고, 지금의 저는 정말 특권적인 삶을 살고 있어요. 게임 업계에서 멋진 시간을 보냈죠. 하지만 그런 경험은 영원히 사라지지 않습니다. 아무리 노력해도 완전히 회복되진 않아요. 그래서 제가 만든 게임들 (Deus Ex, Dishonored)에는 항상 ‘어머니에 대한 트라우마’와 ‘가족의 역학’이 존재합니다. 그건 여전히 저를 자극하고, 어떤 감정을 일으켜요.그리고 또 하나, 저와 라파엘 모두에게 ‘위험하고 어두운 세계에 던져져서 그 속에서 생존하고, 결국 그 환경을 통제하게 되는 경험’은 아주 강렬한 의미를 가집니다. 그건 우리만의 이야기가 아니라, 수많은 아이들, 수많은 플레이어들의 경험이기도 하죠.우리가 은신 게임을 만드는 이유는 아마 그것 때문일 겁니다. 저는 세상의 모든 적을 정면으로 이길 만큼 강하지 않아요. 하지만 아마도, 더 영리하고 더 빠르게 움직여서, 적절한 순간에 피하거나, 적의 뒤로 돌거나, 위로 오를 수는 있겠죠.라파엘 콜란토니오:그게 바로 이런 게임들이 말하고 있는 ‘추상적인 진실’이라고 생각합니다.그 속에서 진짜 존재하는 듯한 세계,그리고 내가 그 안에서 행동함으로써 세상에 영향을 미친다는 감각이 생깁니다.그게 우리가 게임에서 가장 중요하게 여기는 부분이에요.그래서 우리는 항상 선택을,그리고 인물의 모호함을 사랑합니다.우리 게임 속 인물들은 단순히 친구나 적이 아닙니다. 그들 각자는 인벤토리를 가지고 있고, 일정한 스케줄을 따르며, 자신만의 일을 합니다.그들의 행동은 전적으로 플레이어의 행동에 따라 달라지죠.-----------------------------------------석궁으로 터치스크린 조작하는 트릭은 진짜 지리네...
작성자 : ㅇㅇ고정닉
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